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Para este mes de marzo aquí en Rue X Magazine quisimos armar un especial de mujeres en la música y el resultado fue increíble. Contactamos a 3 chicas para difundir su trabajo y aprender sobre cómo es que hacen música. Todas ellas vienen de lugares completamente diferentes pero tienen algo muy importante en común, el amor por la música. Ya sea que se encuentren frente a un micrófono, un sintetizador o una consola, ellas dedican su día a día a crear música que las inspire y sea un reflejo de sus vivencias y personalidad. Nuestra segunda invitada es Erin Tonkon, una ingeniera de audio y productora que ha trabajado en la industria musical desde una edad muy temprana. Comenzó su carrera en la radio y este año recibió un Grammy por su colaboración en el último album del legendario músico, David Bowie. Pudimos platicar con ella sobre su experiencia y su opinión acerca de lo que convierte a un productor en una herramienta clave en una grabación y la carrera de un artista. Esto fue lo que nos platicó.

¿Cómo fue que decidiste convertirte en ingeniera de audio? Un día tuviste una ‘epifanía’ y te diste cuenta que esto era lo que querías o fue un proceso?  Siempre quise trabajar en la industria musical e inicialmente creía que quería ser músico. Sin embargo, siempre estuve más interesada en probar diferentes tonos de guitarra que en tocar en realidad. Cuando tenía 16 iba a una preparatoria que tenía un pequeño estudio de grabación. Empecé a aprender ahí un poco sobre grabación y simplemente todo hizo ‘click’. Ahí me di cuenta que podía hacer una carrera de algo que me encantaba.

¿Cómo te involucraste en el mundo de la música? ¿Dónde empezaste?  Sabía que quería ser ingeniera o productora, pero en realidad no sabía por donde empezar y no conocía a nadie dentro de la industria musical. Mi primer internship fue en la estación de radio KPRI 102.1 FM de San Diego. Tenía 17 años y estaba muy emocionada de estar ahí. Aprendí mucho sobre como funciona la radio y algunos de los DJ’s me dieron la oportunidad de intentar algunas cosas en el estudio. De ahí, trabajé en una estación de radio como DJ y grabando algunos promocionales en Boston, después tuve otro internship en un sello discográfico y finalmente comencé a hacer internships en estudios de grabación. Decidí regresar a la escuela y me mudé a Nueva York en el 2012 y fue ahí donde todo comenzó a darse.

Te has adentrado en diferentes áreas del audio, de acuerdo con tu experiencia, ¿aconsejarías a los nuevos ingenieros que sean ‘multitask’ o que se especialicen en una sola área?  Mucha de mi experiencia la adquirí ‘por error’. Tomé cualquier trabajo o internship que me acercara a un estudio de grabación. Mucha de esa experiencia en estaciones de radio, sellos discográficos, audio en vivo, etc, ha sido de mucha ayuda en mi carrera. Sin embargo, lo mejor que hice fue estudiar arreglo, composición y teoría musical en la universidad. Algunos ingenieros parece que piensan que solo necesitan saber acerca de su DAW y su equipo, pero esto simplemente no es verdad. Los mejores ingenieros también pueden leer música, entender la estructura de una canción y los arreglos, así como tener un amplio conocimiento acerca de técnicas de grabación y equipo, sino también de música en general. Si vas a pasar toda una vida trabajando con músicos, deberías ser capaz de entender todo lo que está pasando en el estudio.

Algunas veces es difícil para las personas entender la importancia y papel del productor, ¿podrías explicarnos qué hace y cómo es que el productor debe mejorar una grabación?  Yo siempre digo que un productor es como un director de una película. El trabajo del productor es asegurarse que todos están haciendo su trabajo y tener en mente la meta final del proyecto. Un productor necesita saber lo que cada músico y lo que cada ingeniero debe realizar. Dónde y cuándo todo debe tomar lugar, cómo y por qué cada cosa debe ser grabada de esa manera. Pero, cada productor es diferente. A mi me gusta estar involucrada desde la pre producción hasta el proceso de mastering. Cuando el productor toma este papel pueden mejorar la grabación al expandir la creatividad del artista para convertirse en un puente entre el músico y la canción.

¿Cuáles crees que son las habilidades que debes tener como productor para que un músico quiera trabajar contigo?  Un productor necesita saber acerca de ingeniería y sobre música. Mientras mayor sea tu conocimiento mejor. También debe de ser capaz de comunicarse correctamente con el artista. Una combinación de conocimiento musical, técnico y habilidades sociales es lo que hace un buen productor. Yo me acerco mucho a los músicos con los que trabajo y siempre les recuerdo que estoy aquí para llevar a la realidad la canción que ellos escuchan en sus cabezas. Es un balance delicado. No quiero ser el tipo de productor que toma una canción de las manos del artista y demanda cambios en todo. Me gusta alentar y mejorar las mejores partes de un artista, en lugar de convertirlo todo acerca de mi. Es acerca del músico en realidad y un buen productor hará sentir al músico de esa manera.

¿Cómo manejas una situación donde el ‘ego’ de un artista compromete una buena grabación? ¿Cómo creas el mejor ambiente para grabar? Esto puede ser un poco difícil y definitivamente depende del artista. Sin embargo, siempre recuerdo que el artista es el jefe y que es su música. Hay mucha crítica involucrada cuando produces a un artista. Tengo que aprender con cada persona que trabajo cómo decirle cuando está cantando desafinada, o cuando una parte de la guitarra apesta, o si el baterista está tocando demasiado, todo esto sin destruir el ego de esa persona. Para crear el mejor ambiente me gusta asegurarme de que todos sientan que su opinión es importante y escuchada.

Cada crítica que doy siempre va acompañada de una afirmación positiva. Los músicos son personas muy sensibles y los cursos de psicología que tomo definitivamente me ayudan. A veces hay desacuerdos serios especialmente cuando hay una agenda apretada. Si hay tiempo dejo que ambas opiniones se prueben para que el músico pueda escuchar lo que estoy tratando de mostrarle. Si no hay tiempo generalmente digo algo como ‘hey, eres un gran músico. No puedo hacer lo que tú haces. Quiero que puedas tocar lo mejor posible y es por eso que estoy aquí. No quiero que te preocupes, así que por qué no haces tu mejor esfuerzo y yo el mío.’ Esto ayuda para que todos recuerden que estamos en el mismo equipo y que todos queremos lo mejor para la canción.

¿Crees que el nuevo equipo nos está alejando de la ‘verdadera esencia’ de la grabación/mezcla/mastering que se vivía en la época análoga?  Esta es una pregunta importante para mi porque es algo así como mi nicho. He trabajado con gente que hizo grabaciones legendarias en la ‘época análoga’ pero yo nací en 1990 y he pasado mucho tiempo usando nueva tecnología. Me encanta encontrar un balance. Tomar lo mejor de ambos mundos. Es fácil hacer todo sonar perfecto y usar solamente samples pero será una canción sin alma y simplemente odio ese tipo de música. Hay demasiadas opciones en estos días así que escogí las herramientas que más me gustan y me enfoco en la música, en lugar de pasar más tiempo probando nuevos plu-in’s. Mientras más aprendo más me doy cuenta de los diferentes tipos de equipo que me funcionan mejor. No voy a grabar en cinta solo porque la gente diga que es ‘cool’. Grabar una mala canción seguirá siendo una mala canción aunque la grabes en cinta.

También es caro y toma mucho tiempo, y muchas veces es innecesario. Pero nada puede ser mejor que un tube microphone en conjunto con una Neve, un LA-2A y un Fairchild. También debes usar tus oídos y encontrar lo que funcionará mejor para la canción. Cuando estoy grabando me gusta tener la ‘mentalidad de una grabación de cinta’ porque hace que la gente toque mejor y haga mejor música, ya sea que de verdad graben en cinta o no. Es la urgencia y la sensación de hacer que ‘esta toma cuente’. Pero generalmente mezclo ‘in the box’. De hecho conozco muchos músicos que dicen ‘Quiero grabar todo en análogo porque así es como grababa David Bowie, The Stooges, Black Sabbath y quiero sonar como ellos. Sinceramente, eso es ignorante. Un excelente equipo no puede convertir a una banda en excelente. Todo eso requiere grandes habilidades.

Mientras mezclas, ¿Cuáles son tus herramientas esenciales? La mayoría de los plug-in’s que uso son de Universal Audio y Eventide. Antes me gustaba probar cada plug-in nuevo que salía pero después me di cuenta que estaba jugando en lugar de prestar más atención a la música. Ahí es donde debes encontrar el balance entre lo análogo y lo digital. Tengo plug-in’s que amo y se como usarlos muy bien. En términos de habilidades personales, trato de no mezclar en un solo día toda una canción porque me gusta tener oídos frescos y una perspectiva fresca.

También trato de tomar descansos y tal vez tomar una caminata si me siento atorada en una mezcla. Un oído cansado puede arruinar una mezcla por completo y algunas veces te puedes llegar a obsesionar. A veces la respuesta es muy sencilla, sobretodo en esta época que podemos ver todo lo que escuchamos, es importante alejarse unos momentos para asegurarte de que estás confiando en tus oídos y no en tu vista.

¿Cuál es tu equipo favorito?  Esto es muy difícil porque depende totalmente de donde esté grabando. Pero si tuviera que elegir sería el LA-2A. Para voz y guitarras es básicamente lo que uso. También el Coles 4038 para overheads. Nada se compara a esto. Pero hablando de algo más barato, el Shure SM7B, que yo creo que todos deberían tener. No es caro y suena fantástico en muchos contextos. 

Hay muchos músicos y productores que no pueden comprar el ‘mejor equipo’ que existe, ¿cómo puede una persona producir excelente música sin tenerlo?  Yo aún no puedo comprar lo mejor que hay de equipo actualmente. Mira, tu mejor equipo siempre serán tus oídos. Yo he grabado en algunos de los mejores estudios de grabación y en mi propio baño. A veces, en la misma semana. No se trata del equipo que tengas, se trata de cómo lo uses. El dinero no debe ser algo que te detenga, es por eso que ahora me siento muy afortunada de trabajar en esta época y no cuando la industria musical hacía a todos ricos.  He tenido que aprender a trabajar con un presupuesto bajo y cómo obtener el mejor sonido incluso en un sótano con solo algunos micrófonos.

David Bowie es un extraordinario músico que siempre fue más allá de los límites, ¿qué nos puedes contar de su proceso de trabajo en el estudio? ¿Qué fue lo que más aprendiste de trabajar con él en el estudio? David merece todo el reconocimiento que se le da. Era extraordinario y de verdad se tomó el tiempo para enseñarme muchas cosas. Trabajé con él por 3 años y nunca olvidaré esa experiencia. Primero que nada quiero decir que siempre tomó a todos en cuenta. Hay mucho ego en la industria musical y hubiera podido ser grosero porque es David Bowie y la gente aún así trabajaría con él., pero no lo era. Amaba hacer música y siempre hacía a los demás sentir cómodos e importantes. Trabajé en ‘Blackstar’ desde el demo hasta el mastering.

Además de lo que todos ya saben, que era creativo, brillante y un gran compositor, lo que más me impactó fueron dos cosas. Primero, que siempre estaba escuchando nueva música. Cuando nos reunimos por primera vez trajo dos albums para que los escucháramos: D’Angelo’s Black Messiah, y Kendrick Lamar’s To Pimp a Butterfly. Dos de los mejores albums de los últimos 5 años a mi parecer. Eso me impacto mucho porque hay muchos artistas que obtienen referencia de si mismos. Lo otro fue que era brillante, y su conocimiento muy basto, pero siempre dejó a los demás que hiciera lo mejor que sabían hacer. Dejaba que Donny McCaslin tratara algo nuevo en el saxofón o que Tony sugiriera algo para el arreglo. Nunca dejó de explorar. Lo extraño mucho.

¿Cuáles crees que son las mejores y las peores características de la nueva generación de ingenieros/músicos/productores? Creo que la nueva generación es muy emocionante. Me encanta como la gente está mezclando de nuevas maneras y mezclando diferentes géneros de una manera muy creativa. No es la clase de música que escucharás en la radio, pero está allá afuera y me encanta lo experimental que pueden llegar a ser. En cuanto a malas características puedo decir que no me gusta como la gente se esconde detrás de la tecnología. Toma clases de canto, no solo afines tu voz en un programa. Obtén un buen sonido de la batería, no solo uses samples después. Lo prometo, de verdad hace una diferencia.

Participaste en la producción de ‘Blackstar’ desde ambos lados, del artista y del productor, ¿Cómo fue esta experiencia?  Trabajar del lado del artista fue simplemente por estar en el lugar correcto en el momento correcto. Me pasó previamente con David en un bonus track de The Next Day llamado Atomica. Creo que es una pequeña ventaja de ser la única mujer en el estudio. David quería la voz de una mujer para ‘Tis a Pity She Was a Whore’ y el sabía que yo tenía una rara voz con un poco de aire.

¿Como productores, crees que todos deberían tener esta experiencia? Do you think every aspiring producer should have that kind of experience? Si. Así puedes entender  cuan aterrador es estar del lado del artista. Estás bajo un microscopio y tener esa experiencia te ayuda a ser un mejor productor. Mucho de producir se trata de cómo dar una buena crítica en una manera que aliente y ayude al músico.

¿Cómo llegaste hasta donde estás ahora? ¿Qué crees que hiciste bien?  Persistencia. No tenía un plan b. Si lo hubiera tenido, hubiera renunciado a este sueño desde hace mucho tiempo porque hubiera sido más fácil y con un camino seguro. Pero esto era lo único que quería hacer incluso cuando no estaba haciendo dinero de esto, no dormía y lloraba en mi baño porque había arruinado algo. pero seguí adelante porque esto es lo que me encanta. Limpié muchos baños e hice mucho café, pero si eso significaba que podría pasar aunque sea unos minutos frente a una consola para mí valía la pena. Existe una frase de Seneca que dice “suerte es cuando la preparación se encuentra con la oportunidad”. Me identifico mucho con esa frase. Yo no llegué un día y simplemente trabajé con David Bowie. Lo logré porque trabajé mucho, me preparé, llegué a Nueva York y estaba preparada para cuando la oportunidad llegó.

¿Qué consejo puedes darle a las mujeres que buscan una carrera dentro de la industria musical? ¿Conoces algunos chicos que tengan una carrera en la música? ¿Cómo empezaron? Pues haz eso. Eso fue lo que yo hice. Muchas veces tuve que trabajar el doble que otros chicos, pero me volví muy buena debido a eso. Muchas veces la gente sigue creyendo que estoy en ele studio para servir café, que soy una secretaria o la novia de alguien. Solía molestarme pero ahora prefiero mostrarles lo que puedo hacer y que se traguen sus propias palabras. Simplemente luchen por ello. Por favor, amo trabajar con mujeres.

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No te pierdas la entrevista con nuestra primera invitada de nuestro especial de mujeres en la música, conoce el electropop de NUSSY, una chica haciendo ruido en la escena alternativa de Australia

Women in Music | March Special | Erin Tonkon

For this month, here in Rue X Magazine we wanted to publish a special about women in music and the result was amazing. We got in touch with 3 girls to talk about their work and how they create music. All of them come from very different places but they all have something very important in common, their love for music.  It doesn’t matter if they are behind a microphone, a synth or a mixing console, they work everyday to create music that they are passionate about. Erin Tonkon is a young audio engineer who started a career in the music industry at the age of 17 in a radio station in San Diego. Now, she holds credits for working in the last album of David Bowie. We talked about her experience, how did she make it in this industry and the importance of the role of the producer in a record and her.

How did you decide to be an audio engineer? Where you ‘struck by lighting’ one day and realized this is what you wanted or was it a process? I always wanted to work in music, and initially I thought I wanted to be a musician. However, I was always more interested in trying out different guitar tones than I was in actually playing guitar. When I was sixteen, I went to a high school that had a little recording studio. I started learning a bit about recording and it clicked. I realized that my obsession could be a career!

How did you get involved in the music industry? Where did you start? I knew I wanted to be an engineer or producer, but I really had no idea how to get started and I didn’t know anyone in the music industry. My first music internship was at a radio station in San Diego KPRI 102.1 FM. I was seventeen and so excited to be there. I learned a lot about how radio works, and some of the DJ’s let me poke around in the studio a few times. From there, I worked at a radio station as a DJ and recording promos in Boston, interned at a record label, and then finally started interning at recording studios. I decided to go back to school and moved to New York in 2012 and that’s when things really started to take off.

You have ventured into several different areas of audio, so according to your experience in this age would you advice young engineers to be ‘multitask’ or to specialize in one area? Some of my broad experience was by mistake. I would take any job or internship i could get that might get me close to a recording studio. A lot of that experience at radios, labels, on tour, etc. has been really helpful to my career. The best thing I did though, was study arranging, songwriting, and music theory in college. Some engineers seem to think they only need to know how to use their DAW and gear, but that’s simply not true. The best engineers can also read music, understand song structure and arrangements, and have a pretty broad knowledge of not only all many recording techniques and equipment, but about music in general.  If you’re going to spend your life working with musicians, you should be able to follow along and understand everything that is going on in the studio!

Sometimes is hard for people to understand the importance of the producer’s role, so to make it easier, can you explain to us how is a producer supposed to enhance a record? I always say a record producer is a like a film director. It’s the producers job to make sure everyone else is doing their job, and to keep the overall project in mind. A producer needs to know what every musician and engineer is supposed to be doing, where and when everything is taking place, how and why everything will be recorded in a particular way. It’s also the producer’s job to help with the overall feel of an album because recording an album usually involves a lot of different people and someone needs to keep track of it all. Every producer is different though. I like to be involved from pre-production all the way to mastering. When a producer takes on this kind of role, they can really enhance a record by expanding upon the creativity of the artist and being the bridge between the music and the recording.

What do you think are the skills you have to have as a producer so that a musician wants to work with you? A producer needs to know about engineering and playing music. The broader the knowledge base the better. A producer also needs to be able to communicate well with the artist. A combination of musical, technically and social skills is needed to make a really great producer. I get really close with artists I work with and I always remind them that I am there to get the record they hear in their head out to the world. It’s a delicate balance though. I don’t want to be the type of producer that takes the song away from the artist and demands they change everything. I like to encourage and enhance the best parts of an artist rather than make it about me. It’s all about the musician ultimately, and a good producer will make a musician feel that way.

How do you handle a situation where the ‘ego’ of an artist is getting in the way of the production process? How do you create the best environment in the recording studio? This can be tricky and it certainly depends on the artist. However, I always remember that the artist is the boss and it is their music. There is a lot of critiquing involved when producing an artist. I have to learn with each person I work with how to tell them when they are singing out of key, or the guitar part sucks or the drummer is playing too much–all without crushing anyone’s ego.  To create the best environment, I like to make sure everyone feels their opinion is heard. It’s always good to keep a working list available so that if someone wants to provide feedback they can do so.

Every critique I give is always followed by some sort of positive affirmation as well.  Musicians are very sensitive people and the psychology courses I took definitely help. Sometimes there is a real disagreement that I may have a strong opinion about. Especially when recording on a tight schedule. If there is time, I will allow for both options to be tried so the musician can ultimately hear what I am trying to say. If there isn’t time I usually say something along the lines of “hey, you’re a really great guitar/bass/drums/vocal/horns/string player. I can’t do what you do. I want you to be able to play your very best and that’s why I’m here. I don’t want you to worry, so how about you do what you do best and I’ll worry about my job?” It usually helps to remind everyone that we are all on the same team and all want what’s best for a song.

Do you think modern gear is driving us away from the ‘true essence’ of recording/mixing/mastering music back in the ‘analog era’? This is an important question to me because it’s sort of my niche. I’ve worked with the people who made the legendary records in the ‘analog era’ but I was also born in 1990 and have spent a lot of time using modern technology. I love to find the balance. Take the best from both worlds. It’s easy to make everything sound perfectly tuned and quantized and use only samples but it’s soulless and gutless and I just hate that kind of music. There are simply too many options nowadays, so I’ve narrowed down what i use so I can spend more time focusing on the music and less time trying out every new plugin that comes along. The more I learn, the more I learn how different type of gear actually works so I can make an educated choice in what I use. I’m not going to record to tape just because people say it’s cool. Recording a shitty song to tape is still going to be a shitty song. And you have to hit the tape hard enough to even have much tape compression.

It’s also expensive and time consuming and a lot of times unnecessary. But, nothing can beat a really great tube microphone through a neve console, LA-2A, fairchild. It’s all about using your ears and finding what works best for the song. When recording I like to have the mentality of recording to tape because it simply makes people play better and makes better music–whether or not we are actually recording to tape. It’s the urgency and the sense of “making this one count”. But I usually mix in the box. I actually meet a lot of musicians that say “I want to record all analog because that’s what David Bowie/The Stooges/Black Sabbath, etc did and I want to sound like them.” That’s just ignorant. Great gear can’t make a great song or a great band or a great engineer. That all takes skill.

While mixing, what are your essential tools? The majority of plug-ins I use are Universal Audio and Eventide.  I used to love to try out every new plugin that came out, but then I realized I was more so playing a video game than I was paying attention to the music. This is where a lot of that finding the balance between the analog era and the modern era came into play. I have plugins I love and i know how to use them really well and that is what’s most important.  In terms of personal skills, I try not to mix on the same day I record a song because I like to have fresh ears and a fresh perspective.

I also try to remember to take breaks and maybe go for a walk if I am stuck on a particular part of a mix.  Ear fatigue can totally ruin a mix, and sometimes you can obsess over the tone of a tom for too long, step away for a minute, and come back to the mix only to realize maybe you just needed to lower the overheads mics. That sort of thing–sometimes the answer is easier than it seems. Especially since nowadays we can see everything that we hear, it’s important to walk away for a bit when mixing in the box to make sure you are relying on your ears and not your eyes. I have an embarrassing amount of bounces for each song I mix. It’s because I do a lot of– I like where i’m going with this i want to see what it sounds like when I’m outside in headphones. It’s just what works well for my process.

What are your favorite pieces of gear?  This is so hard because it totally depends on what I’m recording! But, I’d have to say the piece of gear I find to be the most irreplaceable is the LA-2A. For vocals and guitar it’s pretty much all I will use. Also Coles 4038 ribbon microphones for overheads.  Nothing compares. But for something more affordable, I think everyone should own a Shure SM7B microphone. It’s relatively inexpensive and it sounds great in so many different contexts.

There are many aspiring musicians/producers who cannot afford the best gear that there is out there, how can they still produce great music without the ‘big guns’? I still can’t afford the best gear out there! Listen–sometimes crap is crap, but the most valuable piece of gear is your ears. I’ve recorded in some of the fanciest recording studios, and in my own bathroom. Sometimes in the same week.  It’s not about the piece of gear, it’s really about how you use it.  Money should never hold someone back from being able to record and it’s one of the reasons I actually feel super lucky to be working in music now and not when the music industry was making everyone rich. I’ve had to learn how to work on a really tight budget and how to get a good sound in a basement with a couple of beat up microphones and a handheld digital recorder. It’s possible and you’ll become a better musician/producer/engineer because of it.  And don’t get me wrong, I’m a total gear nerd and will drool over a Neve console with the rest of them, but if you don’t know WHY you love particular piece of gear, or don’t know how to use a particular piece of gear, or your song is shitty, you might as well record it on your iPhone.

David Bowie was an extraordinary artist who went beyond known limits, what can you tell us about his working process in the studio? What did you learn the most from working in a big production like ‘Blackstar’? David is deserving of all the praise he gets. He was really that wonderful, and he really took the time to teach me about so many things. I worked with him for three years and I’ll never forget that experience. First I want to say, he put everyone at ease. There is a lot of ego in the music industry and he could’ve been a really mean person because he’s David Bowie and people still would work with him. But he wasn’t. He loved making music and always made everyone feel comfortable and important.  I worked on Blackstar from demos through to mastering.

Besides what everyone already knows about him–he’s a great songwriter, he’s brilliant and creative, he’s a phenomenal singer, all of that–what really struck me were two things. One, is that he was always listening to new music. When we first started talking about what would become Blackstar, David brought in two albums for Tony and I to listen to. D’Angelo’s Black Messiah, and Kendrick Lamar’s To Pimp a Butterfly. Two of the greatest albums in the past five years in my opinion. He always wanted to know what I was listening to and he was such a fan of music. That really struck me because a lot of artists get self referential and stale. The other thing is David was so brilliant-his scope of knoweldge was just incredible. But he also let people do what they do best. He would let Donny McCaslin try something wild on the saxophone, or let Tony suggest an arrangement or let me suggest some out there mixing idea. He worked with people who were really good at what they do and let them do what they do best. He just didn’t have an ego. He never stopped exploring. I miss him so much.

In your opinion, in which ways/areas are the audio engineer and the producer supposed to contribute the most during the whole production? What should they focus more on? It depends a lot on the project, but I like to think of my role as an engineer/producer as kind of like a painter. The song is the canvas and each element is a different color paint and it’s my job to put it all together in a way that is beautiful and interesting and fits together to create the final piece.

What do you think are the best/worst characteristics of the new generation of producers, musicians and engineers? What have you observed? I think the new generation of music is actually pretty exciting. I love how a lot of people are mixing different genres and techniques in really creative ways. This isn’t the kind of stuff you’re going to hear on the radio, but it’s out there and I love how experimental people can be nowadays. As for bad characteristics, people don’t put the time and the work in anymore. I don’t like how people hide behind technology. Take vocal lessons, don’t just tune your voice. Get a good drum sound, don’t just replace it with samples later. It makes a difference I promise.

You participated in the production of ‘Blackstar’ from both sides, the artists’ side and the producers’ side, how was that experience like? The “artists” side was just kind of right place at the right time. It happened previously with David on a bonus track from The Next Day called “Atomica”. I guess it’s a small benefit of being the only women in the studio most of the time. David wanted a female vocal on “Tis a Pity She Was A Whore” and he knew from before that I kind of have this weird airy voice that he wanted for it, so he just had me do it since I was there recording his vocals anyways.  The part I had to sing contained a lot of long held notes.

David sang them no problem and then when he asked me to do it, I just didn’t have the lung power he still had, but I have pretty good pitch. Him and Tony were super good at coaching me and being patient and laughing at me when I ran out of breath. It was a lot of fun but having to piece together my own vocals to make it sound like I sang it all in one breath was pretty disheartening. I sing backing vocals here and there when I’m working on something but I really prefer being on the other side of the glass. I took lessons with a vocal coach, mainly to better understand how to give feedback to a singer, but it helped me a lot too afterwards.

Do you think every aspiring producer should have that kind of experience? Yes. You can’t understand how scary it is until you’ve had to do it. I still get nervous every time I have to switch roles. You are under a microscope and having experience in that role really helps you become a better producer. A lot of production is knowing how to give criticism in a helpful and encouraging way. I am really good at that, and a lot of that probably has to do with still getting super nervous whenever I am singing or playing!

How did you get to where you are now? What do you think you did right? Persistence. I don’t have a plan b. If I also sort of wanted to be a hairdresser or something, I would have quit years ago because it’s easier and more of a sure thing with a carved out path. But this is all I ever wanted to do so even when I was making no money and barely sleeping and would cry in a bathroom because I messed something up, I just kept going because I love doing it. I did a lot of cleaning toilets and making coffee but if that meant I could have even a few minutes on a console, it was worth it to me. There’s that Seneca quote, “luck is when preparation meets opportunity.” That speaks to me. I didn’t just walk into a room one day and work with David Bowie. I got there because I worked really hard and got myself to New York and was prepared when an opportunity arose.

What advice can you give to young women who wants to pursue a career in music? Where should they start? Do you know any boys who are pursuing a career in music? How did they start? Do that. That’s what I did. A lot of times I had to work twice as hard as the boys, but I got really good because of it. I also developed a really tough skin. People all the time still think I’m there to serve tea or I’m the secretary or someone’s girlfriend or something. I used to get angry, but now I choose to show them what I can do and make them eat their words. Just pursue it. Please. I love working with women.

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Do not miss the interview with our first guest of our march special, listen to the elegant electropop of NUSSY, a girl making noise in the alternative scene of Australia.